Классификация танцевальной культуры древних греков. Зарождение и значение танца в истории. Танцевальное искусство, как важный компонент театра Древней Греции и жизни древних греков. Танцевальная культура древних цивилизаций

Первоначально танец представлял собой комплекс, состоящий из мимики, жестикуляции, движений корпусами и ногами.

В древние века мимика - первый язык человечества - была неразрывно связана с танцевальным искусством. Более того - все движения в древности назывались не иначе как танцами! Греки не признавали танец только как предлог для ритмических движений и красивых поз - напротив, они стремились к тому, чтобы каждое танцевальное движение выражало какую - то мысль, действие, поступок, что - нибудь говорило зрителю. А испанские танцы и до сих пор посредством своей супервыразительности иногда могут передать гораздо больше, чем обыкновенная человеческая речь. Считалось, что люди в древности танцевали оттого, что боги дергали людей за веревочки привязанные к их рукам и ногам. В действительности же танец произошел из - за необходимости первобытных людей в общении, передачи какой - либо жизненно важной информации. Копируя движения животных, первобытные люди пытались проникнуть тем самым в душевное состояние этого животного, понять его «суть», что значительным образом помогало первобытным людям при охоте, а следовательно являлось необходимостью для выживания!

Первобытный танец, конечно же, возник из эмоций и был напрямую связан с острейшими переживаниями. Первоначально в танцах был заключен и определенный элемент игры: в природу, в другое «Я», в «новое» и хорошо забытое «старое». Первобытный человек был наделен немногочисленными движениями, но каждый день нес новые трудности, в результате которых вырабатывались алгоритмы поведения и типизация новых жестов. Одним из способов пополнения древнего танцевального арсенала являлось подражание движениям животных. Основу первобытных танцев составляли магия и ритуал. Движения, совершаемые в ходе ритуального действия, всегда были как - то направлены, имели строго определенную цель. Танец здесь выступал как средство приведения себя в специфическое, отличное от бытового состояние. Танец таким образом являлся своеобразным каналом в неведомое, выступал как возможность управления иррациональными сторонами человеческой жизни.

Всякий танец у древних знаменовал соединение человека с могущественными космическими энергиями, необходимыми для переживания важных, этапных событий в его жизни: рождение - вступление во взрослую жизнь - вступление в брак - рождение потомства - охота - война - смерть. То есть танцевали не от избытка сил, а для их приобретения.

Тотемические танцы, длившиеся по несколько дней, были обыкновенно сценарием мифов о фантастических путешествиях из жизни первопредков. В тотемических плясках разных племен отчетливо проявляется их основная особенность - полное уподобление тотему. Лексика тотемического танца определяется характером пластики определенного вида животного, птицы, насекомого. Эти танцы по своему строю всегда были динамичны, в них подчеркивались движения, а не позы. В тотемических танцах человек буквально преображался, становился похожим скорее на изображаемое животное, чем на самого себя (то есть внешне танцующий приобретал звериные черты). В этих древнейших плясках бывали и сюжеты из сцен охоты, игры в птиц и зверей. Древнейшие люди умели мастерски копировать повадки животных, как бы перевоплощаясь в них в танце. Такое перевоплощение, по их мнению, помогало набраться храбрости, выносливости, свойственной тому или иному животному. У каждого племени было свое священное животное, которому покланялись, в честь которого танцевали до упаду. Оно их за это награждало в бою всеми своими ценными качествами, принося удачу и победу. У каждого было от десяти до тридцати видов мужских охотничьих танцев, каждый с особенным названием, особыми песнями, музыкальными инструментами, па, фигурами и костюмами участников. Каждое движение имело свой сакральный смысл.

В охотничьих плясках мужчины тренировали свою наблюдательность, учились выслеживать зверя, маскироваться, то есть в танце происходила психологическая и физическая подготовка, что способствовало удаче в охоте.

Что касается женских обрядов, то они принадлежали к числу наиболее распространенных в искусстве верхнего палеолита. С образом женщины в своих формах были связаны обряды огня и продолжения рода, растительных сил природы, размножения животных и охотничьей удачи. У некоторых племен юго - западной Африки большую процессию с факелами огня, устраиваемую во время неудачной охоты, возглавляла только Великая Женщина. Кроме женских танцевальных обрядов, связанных с культом плодородия, широко были распространены танцы, в которых женщины воплощались в образ того или иного полезного для племени растения.

Военные танцы женщины исполняли либо с оружием в руках, время от времени бросая его вперед (что символизировало преследование бегущего врага) и назад (что имело цель отдалить собственных мужей от опасности). Нередко эти танцы исполнялись с обрядовыми белыми вениками, сделанными из хвоста буйвола или лошади, - женщины широко размахивали этими предметами в течении всего танца (чтобы мужья «смели» своих врагов с лица земли). Военные танцы во все времена были наиболее значимыми обрядовыми действиями племени. Их исполняли без перерыва, день и ночь, пока мужчины не возвращались из похода.

Древнейшим и повсеместно распространенным символическим знаком в пластике танца был круг. Построение в круг считалось оберегом от злых сил и гарантировало благополучный исход обряда. В охотничьих плясках круг означал облаву, в земледельческих - символизировал плодородие. В кругу лечили и женили. Однако круг - не единственная известная форма массовых плясок. Широко распространенной формой исполнения танцев, особенно военных, были также линии. В танцах древних воспроизводились и такие сложные фигуры, как лабиринт и рисунок ползущей змеи.

Для первобытного человека действительность и вымысел были равнозначны. И не случайно обрядовые действия могли длиться несколько недель - значит, это было жизненно необходимо!
Но постепенно ритуальное начало, где танец имел глубинное значение, начинает вытесняться чисто телесным, развлекательным. Так происходил плавный переход от первобытного танца к античному.

В Греции танцевали все: от крестьян до Сократа. Танцы не только входили в число образовательных дисциплин, но им охотно продолжали обучаться и взрослые люди. Все танцы античности исполнялись для зрителей, а не для удовольствия и собственного развлечения. Предполагается, что общее количество древнегреческих танцев составляет более двухсот. Условно их можно классифицировать по пяти группам:
- воинственные танцы - ритуальные и образовательные;
- культовые умеренные - эммелия, танец покрывал и танцы кариатид, а также танцы при рождении, свадебные и погребальные;
- оргиастические танцы;
- танцы общественных празднеств и театральные;
- танцы в быту.

Дадим характеристику наиболее значимым группам танцев:

А) Воинственные танцы
«Пирр» является одним из самых ярких воинственных танцев. Он известен был также под названием «пиррихий», «пирриха». Зародился он в Спарте. Начинали обучаться этому танцу с пяти лет. По сути пирриха - это виртуозный танец с мечами и щитами. Пирриха входила в число излюбленных пиршественных развлечений, особенно когда она исполнялась танцовщицами.

Б) Культовые танцы
Эммелия представляет собой очень размеренный танец в медленных ритмах, типа хороводов и фарандол.

Танец покрывал и танец кариатид более оживленные. Кариатиды и есть те самые танцовщицы, которые впервые применили в своих плясках технику танцевания на «пуантах». Действительно, пуанты в античности применялись, но они не были похожи на современные. Античные пуанты - это стойка на концах пальцев, но босиком, без какой - либо специальной обуви. Так танцевали и мужчины.

В) Театральные танцы
Каждый из трех видов театральных представлений классической поры имел свой танец: для трагедии характерна эмеллия; для комедии - кордак; для сатирической драмы - сикканида.

Танцами как зрелищными развлечениями заведовали мимы (скоморохи, клоуны, акробаты, жонглеры). Ни один пир богатых и почтенных граждан не обходился без них. Перечислим характерные черты виртуозного танца мима:
- техника построена на выворотности ног;
- практиковались танцы на пуантах и разнообразные прыжки;
- излюбленная манера - резкий поворот корпуса в перпендикулярную ногам плоскость;
- для танцовщиц типичны акробатическая кубистика (пляска на руках в самых различных позах) и виртуозная пирриха;
- популярны танцы с кубками и корзинами;
- характерным приемом в греческих танцах является отгибание кисти руки под прямым углом вверх.

У греков существовала также целая система, сложная техника игры руками в танцах - хирономия. Руки всегда говорили на условном языке, ключ к которому, к сожалению, сегодня потерян.
Ритуальные танцы в Древней Греции весьма разнообразны, но условно подразделяют их на два основных танцевальных культа: «светлый» в честь бога Аполлона и «темный» в честь бога Диониса. Остатки древнегреческих ритуальных танцев в честь Аполлона и других светлых богов мы можем наблюдать в обыкновенном детском новогоднем хороводе. Отличие лишь в том, что предметом поклонения является не статуя, а еловое дерево. Корневая связь этих обрядов уходит в глубокую древность, когда было принято проводить ритуальное очищение перед наступлением Нового Года. Однако в античном мире имелись и другие танцевальные обряды, концентрировавшие в себе как раз все то, что изгонялось из торжественного аполлонического культа: буйство жестов, превосходство тела над духом. Все темное и непристойное выплескивалось наружу в празднике, посвященном Дионису, богу плодородия.

Развитие танцев в Древнем Риме, его отличие от древнегреческого танца.

В то время, как Греция праздновала каждое торжество самыми разнообразными плясками, у древних римлян в ходу были только воинственные и дикие танцы. Если древние греки совмещали и рассудочное, и оргиастическое начало в разных видах своих танцев, то древние римляне по всем признакам отличались более рациональным складом ума. Это может подтвердить то обстоятельство, что каких бы то ни было подробных свидетельств о древнеримских танцах почти совсем не осталось.

Анализ культуры Древнего Рима показывает нам четкое разделение ее на культуру «элиты» и культуру простых масс людей. Это несомненно нашло свое отражение и в развитии танцевальной культуры. Если о танцах элиты мы не имеем каких - либо сведений, то о танцах рабов встречается много упоминаний. Лишь позже, в царствование Нумы Помпилия, нимфа Эгерия дала римлянам новые правила для новых танцев. Это были салийские танцы, для исполнения которых выбирались среди представителей знатных родов двенадцать жрецов, - они должны были танцевать в храмах, прославляя богов и героев.
Помимо этого в Риме расцветала и пирриха. Правда слово «пирриха» получило здесь новое значение - так стал называться ансамблевый танец вообще, в противоположность сольным.

В Этрурии, более цивилизованной, уже задолго до основания Рима процветали все искусства, - там были прекрасные мимические актеры и существовали самые разнообразные пляски. Из этой страны прибыли в Рим танцовщики, аккомпанирующие своим причудливым танцам на флейтах, - их называли гистрионами (от слова «histor», что означало «мифический актер»). Во время своих представлений они декларировали целые поэмы, и вся римская молодежь стала подражать им. Римляне больше всего полюбили пантомиму: им все же претило оргиастическое начало дионисийских празднеств, а от аполлонических ритмов они оставили лишь культуру красивого жеста (древнеримская мимика используется почти в неизменном виде и по сию пору). Страсть римлян к пантомиме и восхищению некоторыми исполнителями доходило до того, что в царствование Августа весь Рим был как бы разделен на два враждебных лагеря: одни были приверженцами знаменитого танцора и мима Пилада, другие признавали только Бафила.

В дальнейшем, с ростом Римской империи, влияние Греции и Востока привело к развитию в древнеримском обществе танцевальной культуры и даже к появлению школ танцев. Вероятнее всего, их первыми учредителями были мимы.

Значение и разновидность танца в Древнем Египте.

Дошедшие до нас памятники искусства и литературы доказывают, что танец в Древнем Египте имел немаловажное значение. Почти ни одно празднество, ни одна торжественная религиозная церемония не обходилась без танцев. Танец господствовал в Египте как выражение радости, являлся синонимом к слову «ликование». Среди названий танцев древнего Египта наиболее часто встречаются такие, как ib, mww, tereb, nebeb, изображение которых хорошо сохранилось на рельефах. Детерминантом всех танцев является фигура человека с приподнятой рукой и ногой. Пляска mww, по-видимому, выполняла и функции погребального танца.

Танцевальными ритуалами было окружено большинство священных древнеегипетских культов. Грациозно - торжественными были представления, связанные с мифом Осириса и Исиды, которые продолжались несколько дней подряд. К подобным культовым действиям относятся также танец, сопровождающий служение женщин перед священным египетским быком Аписом. Богами - покровителями веселья, музыки и танцев у египтян, помимо Хатор, были также Нехемаут и бородатый карликообразный Хатий (он изображался танцующим и играющим на музыкальных инструментах перед богиней Хатор). По-видимому, уже в эпоху Древнего Царства религиозного танца карликов играли видную роль в египетских ритуалах и ценились очень высоко. Существовали в Египте и так называемые астрономические танцы жрецов, которые изображали движение различных небесных тел, гармонически распределенных во Вселенной. Попытаемся вкратце описать этот уникальный, на наш взгляд, танец. Он проходил в храме: вокруг алтаря, поставленного посередине и представляющего солнце, плавно двигались и кружились одетые в яркие платья жрецы, представляющие знаки зодиака. По объяснению Плутарха, сначала они двигались с востока на запад (напоминая движение неба), потом с запада на восток (подражая движению планет), затем останавливались в знак неподвижности земли. Этот танец является наглядным примером того, как различные танцевальные ритуалы формировали у людей не только представление о планетной системе и о гармонии вечного движения (как в данном случае), но и в целом определяли духовное развитие каждого народа.

Ввиду той важной роли, которую играл танец в египетских ритуалах, мы можем сделать вывод о том, что в Египте существовали особые заведения, где готовили танцовщиц. В подтверждение этому мы встретили несколько указаний на то, что при храме Амона была своя хореографическая школа, выпускающая жриц - танцовщиц.

Наряду с танцами, состоящими из гармонических ритмичных движений, в Древнем Египте были очень распространены пляски, являющиеся непосредственными упражнениями в ловкости, гибкости, и порой совершенно переходящие в чисто гимнастические упражнения. Что касается костюма, мы нашли лишь сведения о том, что танцовщики носили короткий передник, иногда вокруг талии шел пояс, который завязывали петлей. Женщины же танцевали или обнаженными, или в длинных и прозрачных платьях. Но в ритуальных танцах танцовщицы должны были быть в одеянии (так выражали почтение священному животному или божеству). Руки и ноги танцовщиц всегда украшались браслетами, грудь - ожерельем, голова - лентой или цветком лотоса. Мы также располагаем сведениями о том, что танцевали в Древнем Египте под аккомпанемент музыкальных инструментов (арфы, лиры, лютни и двойной флейты), пения и хлопков в ладоши.

В Новом Царстве господствовал танец, который до сих пор весьма распространен на востоке - танец альмей, который танцевали в длинных прозрачных платьях с бахромой под звуки тамбурина или кастаньет.

Рассмотрев, таким образом, развитие, и определив значение танца в основных государствах античности, мы наглядно убедились в том, что танец представлял собой необходимость для духовного развития каждого народа.

Национальные танцы Испании и Индии как отражение национального характера этих стран.

Национальные танцы неразрывно связаны с особенностью национального характера любого народа. Недаром еще Лев Николаевич Толстой писал: «в танце душа народа». Отсюда мы можем сделать вывод: для того, чтобы разгадать душу какого - либо народа, достаточно лишь подробно ознакомиться с его национальным танцем. Попробуем на примере двух стран: Испании и Индии, через национальные танцы рассмотреть национальные души народов этих стран.

Максимилиан Волошин в начале ХХ века писал: «Испания танцует всегда, танцует везде. Она танцует обрядовые танцы на похоронах у гроба покойника; она танцует в Севильском соборе пред алтарем; танцует на баррикадах и пред смертной казнью; танцует днем и ночью…».

Мы не можем говорить об испанских танцах в целом, так как фольклор каждой провинции необычайно своеобразен и неповторим. Так, например, северо - испанские баски мужественно - суровы и архаичны, кастильцы же сдержанно - напряженны, арагонцы, напротив, заразительно - веселые и прямолинейные, но особенной страстностью отличаются танцы юга Испании - Андалусии и Мурсии. Но были и такие танцы, которые являлись едиными для всей страны. К числу таких танцев относился прежде всего танец фанданго. Он является национальным мотивом Испании. Музыка фанданго имела огромную власть над душой и сердцем каждого истинного испанца, словно искра воспламеняла она их сердца. Начинался танец медленно, но постепенно ускорялся. Одни танцоры вооружались кастаньетами, другие просто прищелкивали пальцами, женщины отбивали такт каблуками под звук гитар и скрипок. Фанданго танцуется в три па, быстро, подобно вихрю, очень характерно и темпераментно. Классический фанданго представлял собой парный танец, построенный на игре партнеров, в которой запрещены любые касания, на споре, состязании, состоящем в приближении и удалении танцующих друг от друга, здесь большую роль играет выразительность глаз и жестов.

Рассмотрим вкратце другой национальный танец - болеро. Этот танец появился лишь в конце XVI века и был придуман Себастьяном Серецо (знаменитым балетмейстером в царствование Карла III). Болеро является своеобразным испанским балетом, медленно, но неотступно утверждающим свои позиции в канонах классического танца. Говорили, что «фанданго воспламеняет, а болеро опьяняет». Конечно же, говоря об испанских характерных национальных танцах, мы не можем не упомянуть знаменитое фламенко. Он является скорее не танцем, а целой группой танцев. Фламенко произошел из южной провинции Испании, Андалусии. До сих пор не удается точно определить значение слова «фламенко». Хотя существует множество версий, наиболее целесообразной на наш взгляд является о том, что «фламенко» произошло от латинского слова «flamma» (огонь), так как танец носит поистине «огненный» характер; первоначально являлся ритуальным и восходил ко времени культа огня. Интересна также версия, что это слово произошло из названия птицы фламинго, так как костюмы танцоров подчеркивают стройность фигуры, а также причудливость движений этой экзотической птицы. Сам танец очень своеобразен, в нем мы не встретим ни следа пантомимы, ни конкретной театральной жестикуляции. «Байлаор» (танцор фламенко) мог танцевать один, что подчеркивало его независимость от мира. Все чувства, характерные для коллективного танца, байлаор выражал самостоятельно. Вообще одиночный танец подразумевал под собой немое коллективное действо. Байлаор же соревнуется в этом танце с самим собой, - отсюда и возникает удивительная выразительность и страстность танца, глубокие чувства и душевная работа. Особое значение при исполнении всех танцев фламенко придается движениям рук, которые представляли собой язык танца. Недаром еще Овидий говорил: «если голос есть - пой, если мягкие руки - пляши». Руки женщин во фламенко - гибкие, выразительные, чуткие; пальцы находятся в постоянном движении. У мужчин, напротив, движения рук строгие, возвышенные, с четкой пластикой; они рассекают воздух как удар меча.

На основе описания основных танцев Испании мы можем выявить три главные составляющие испанского танца: гордая постановка корпуса, напоминающая матадора, гибкие и выразительные изгибы рук танцовщиц и сапатеадо (дробный стук каблуков танцующих). Все это как нельзя лучше характеризует национальную душу испанского народа, необычайно страстного, выразительного, эмоционального, горячего и темпераментного.

Особенности развития танцевальной культуры Индии (любовная направленность).

Согласно одной из легенд, танец в Индии зародился благодаря богу Шиве Разрушителю. Сам Шива был превосходным танцовщиком и обучил свою жену Парвати искусству танца, которое любил больше всего. Он танцевал тандаву - натболее энергичную форму, а Парвати - ласью, более утонченную, изящную. Предания рассказывают также, что Брахма, Творец, был очень обеспокоен раздорами и беспорядком, царившими на Земле. Поскольку четыре Веды хранились брахманами в строгой тайне, он решил создать пятую Веду, доступную всем. Искусству театрального действия, которому была посвящена Натьяведа, Брахма сначала научил мудреца Бхарату. Бхарата показал свое триединое искусство - драму, музыку и танец - Шиве. Вспомнив о своем собственном энергичном танце, Шива приказал главному помощнику из своей свиты обучить Бхарату искусству тандавы. Бхарата соединил это искусство с уже имевшимися у него познаниями и написал «Натьяшастру», исчерпывающий труд по искусству театра. Бхарата и другие мудрецы распространили это искусство среди народов Земли.

Таким образом, эти предания четко определяют связь искусства танца, музыки и драмы с божественностью и бессмертием. Мы и сейчас можем заметить, как сильно в Индии классический танец соотносится с религией и мифологией. Это самым ярким образом отражается не только в выборе воплощаемых тем, но и в манере исполнения танца. Что в свою очередь, непосредственно влияет на формирование духовной жизни в Индии.

Центральным мотивом вишнцитского культа на протяжении столетий было стремление человека к единению с божеством. Боги отвечали не только взаимностью, но и «индивидуальным подходом». Танец риас - лила, исполняемый в Брадже, местности в области Матхура, штат Уттар - Прадеш, где по преданию, родился и жил Кришна, изображает способность Кришны создавать у каждой из танцующих по нему гопи (пастушек) иллюзию того, что лишь она одна танцует с ним. Так выражалась традиционная для духовной жизни Индии аллегория приближения смертной души к божеству с доверием и любовью. Риас - лила - прекрасный танец, его исполняют и сегодня под соответствующие песнопения.

Это многоликие индийские божества с многочисленными связанными с ними историями и составляют тематическую основу индийского танца. В танце не просто излагаются события, но и раскрываются их символическая сущность и утверждается вера - силой стиха, музыки и движения. У всех форм классического танца в Индии есть два аспекта: Нритта и Нритья. Нритья можно охарактеризовать как чистый танец, то есть абстрактные движения тела, согласованные с хастами (жестами рук). Нритья - это сочетание чистого танца с сюжетным. Но сюжетный танец здесь сильно отличался от пантомимы. Это не просто имитация человеческого поведения. Кроме нритты и нритьи в танцевальной традиции Индии есть и третий аспект. Это натья, то есть представление из действия и жестикуляции с танцем и без него. В общем это вид драматического искусства. Все эти три аспекта считаются, однако, тесно связанными друг с другом. Говоря о танцевальном искусстве, на наш взгляд, необходимо отметить одну из наиболее ярких черт развития культуры Индии в целом. Это глубокая связь между различными видами искусств. Если музыка, танец и драма были исключительно близки к танцевальной культуре, то и литература, живопись, скульптура и даже архитектура тоже не были оторваны или изолированы от танцевальной традиции. Роль литературы в танце была и продолжает оставаться чрезвычайно важной, поскольку например, нритья представляет собой толкование танцем стихов. В Индии существует даже целые поэмы, специально написанные для исполнения в танце. Самый лучший пример, на наш взгляд, классическое произведение санкритской литературы XII века «Гида - Говинда» Джаядевы. Поскольку танцы изначально занимали большое место в храмовых ритуалах, архитектор на территории храма предусматривал специальную площадку. В знаменитом храме Брихадишвара в округе Танджавур, штат Тамилнад, есть большой зал, построенный исключительно для танцевальных представлений. В храме Солнца в Канараке, штат Орисса, есть огромный и замысловато разукрашенный зал Танца, Ната Мандал, близость которого к морю придает ему неземную красоту.

Стены храмов в разных частях Индии, особенно на юге и в Ориссе, украшены разными фризами и панелями с изображением танцовщиц и музыкантов.

Основные разновидности бальных танцев в XVI - XVII веках

В комедии Шекспира «Много шума из ничего» одно из действующих лиц, на наш взгляд, блестяще характеризует основные танцы, существовавшие на рубеже XVI - XVII веков: «Ухаживание, брак и раскаяние - то же, что шотландский жиг, размеренный танец и гальярда: первое пылко и поспешно, как шотландский жиг, и столь же полно воображения; брак - чинно скромен, как размеренный танец, полный достоинства и старины; а потом наступает раскаяние и своими развитыми ногами припадает в гальярде все быстрее и быстрее, пока не свалится в могилу». Таковыми были основные направления танцев на рубеже XVI - XVII веков. Следует также заметить, что если до конца XVI века и частично в XVII веке господствовали партерные, «низкие» танцы (бассдансы), не требующие от исполнителей прыжков - бранли, паваны, куранты, то далее началась эпоха легких «летучих» французских танцев.

1. Бранль.

Школа бальных танцев формировалась в эпоху возрождения и можно считать, что бранль, как народный, так и салонный, явился основополагающим началом дальнейшего развития танцевального искусства. Этот танец первоначально был народным, а бальная его форма родилась из этой крестьянской и отличалась лишь большим количеством реверансов, плавных движений, тогда как в народном бранле преобладало отстукивание. Основные движения бранля вошли в паванту, куранту и гавот. Музыкальное сопровождение этого танца состояло из довольно однообразных ударов тамбуринов, звуков флейты и монотонного пения танцующих. Если пожилые люди любили танцевать медленный двойной бранль, люди средних лет танцевали бранль с репризой, то молодые предпочитали веселый бранль с подпрыгиваниями и выносами ног вперед на воздух. Таким образом, простой бранль явился источником всех появившихся позднее салонных танцев.

2. Павана.
Павана - один из старейших известных нам испанских танцев. Павана и куранты в XVI веке являлись основными и самыми любимыми танцами. Только появление менуэта заставило забыть сначала куранту, а затем и паванту. Считается, что павана имеет итальянское происхождение, поскольку Екатерина Медичи была покровительницей всего итальянского. Основной заслугой паваны, на наш взгляд, считается то, что в ней впервые общественные танцы приобрели определенные формы, характер и стиль исполнения. До паваны многочисленные бранли отличались друг от друга только названиями. У паваны была и определенная цель - показать обществу величавость танцующих и богатство их костюмов. Движение паваны представляли собой ход красующейся павы. Еще одно отлличие паваны от бранля заключалось в том, что фигуры паваны начинались с начала музыкальной фразы, в то время, как в бранле существовал только темп. Павану танцевали одновременно одна или две пары, существовал также строгий порядок их очередности в зависимости от происхождения и общественного положения. Открывал бал король и королева, затем другие знатные особы.

3. Менуэт.
Ни один танец XVI - XVIIвеков не пользовался такой популярностью, как менуэт, являющийся общепризнанным образцом салонного танцевального искусства. На протяжении нескольких веков менуэт то поднимался на вершину танцевальной славы, то подвергался временному забвению, но никогда окончательно не вытеснялся другим танцем. Историки танцевального искусства говорят, что «менуэт - это танец королей и король танцев». На рубеже XVIII века аристократическое общество свое отношение к менуэту выражало в такой фразе: «кто хорошо танцует менуэт, тот все делает хорошо». Основной чертой исполнения менуэта являлись церемониальность, галантность и торжественность. Шаг менуэта был очень плавным и одно движение вытекало из другого. Па грав (Pas grave) - что означает «важный, величественный шаг» - один из основных танцевальных элементов менуэта. В XVIII веке, во времена барокко, появляется более динамичный, «скорый менуэт». Но несколько иным изображается менуэт на балах XIX века. В этих сценических менуэтах, как и в знаменитом менуэте из «Дон - Жуана» Моцарта, который всегда считался классическим образцом этого танца, целый ряд танцевальных положений не соотвтствует подлинному менуэту XVII века. Что, по нашему мнению, нисколько не умаляет прелестей сценического менуэта, а напротив свидетельствует об огромном пластическом богатстве этого танца. Пережив много эпох, менуэт, к сожалению, не дошел до наших дней, и мы можем только наблюдать этот танец на театральной сцене.

Таким образом, подробно остановившись на описании основных бальных танцах XVI - VII веков, мы наглядно убедились в том, что среди важнейших черт танцев этого времени можно выделить такие, как плавность, размеренность, важность, что естественно, было характерно для идеологии всей жизни того времени.

Становление и развитие танцевальной культуры в России

Понятие о «танце» русским дали поляки, прибывшие в Смутное время в Москву с Дмитрием Самозванцем. До этого на Руси «салонных танцев», как в Западной Европе, не было. В теремах водились женские хороводы, а в народе процветали пляски. Вообще, отношение к пляскам было настороженным. «Скоморошенные забавы», соединенные с плясками, считались «душепагубным изобретением дьявола», «бесовскою игрой».

При Михаиле Федоровиче Романове для царской потехи приглашались увеселители - немцы и поляки, в их числе были и танцоры. В 1673 году в комедийной палате в Кремле был дан «Орфей» - пьеса с пением и танцами. В прологе Орфей пел хвалу царю, а затем танцевал с двумя пирамидами. В это время любовь к танцам развивалась не только при царском дворе, но и среди знатных московских людей, которые устраивали свои домашние театры (боярин Морозов, князь Голицын, Долгорукий).
Сменивший Алексея Михайловича молодой царь Федор не был любителем развлечений. Любовь к танцам поддерживала только правительница Софья, которая собирала в своих хоромах девушек и «устраивала пляски».

Перелом произошел при Петре I. После замены длинных мужских костюмов на короткие камзолы русские пляски ушли из придворного быта. Вместо них Петром были введены иноземные танцы. По указу царя под страхом жестокого наказания всем российским девушкам было приказано танцевать. Русские дамы и кавалеры обучились менуэту, полонезу и контрдансу у пленных шведских офицеров. Сам Петр, его супруга Екатерина и дочь Елизавета принимали участие в танцах и делали это, по словам современников, довольно грациозно. Отношение к танцам в это время было скорее как к серьезному, почти «государственному» делу, что отражалось на всем порядке танцевальных ансамблей.

Таким образом, в это время в России «безобидные» на первый взгляд танцы, превратились в своеобразное орудие социальной борьбы с «реакционным боярством». Неумение танцевать становится позорным, поэтому бояре начинают выписывать себе учителей (танцмейстеров). На ассамблеях были установлены строго разработанные правила поведения, манера общения с дамой в танце и даже в поклонах. Там были также и быстрые танцы, в том числе импровизационного характера. Говорили, что и сам Петр любил изменять фигуры, специально пугал и потешался над не умеющими танцевать.
Одним из обстоятельств, характеризующих отношение к танцу, является то, что теперь танцевальные движения уже никак не обуславливались: ни ритуалом, ни просто естественной человеческой телесностью, поэтому, на наш взгляд, и возникает глухое чувство протеста против навязываемых извне обязательств.

Введение Петром I балов («ассамблей») вызывало неудовольствие людей старшего возраста и огромный энтузиазм у молодежи. Так как русский быт допетровской эпохи складывался изо дня в день довольно тоскливо: основным занятием было хождение в церковь и затем сидение в тереме. Публичные развлечения не практиковались, только свадьбы отличались необыкновенной пышностью. Интересно, на наш взгляд, то, что у русских так и не появились парные танцы, это, по нашему мнению, можно объяснить особенностями православной веры, где никогда не было культа Богоматери, как в католичестве. Кроме того православие предъявляло к человеку более строгие нравственные требования, поэтому выход телесной энергии был невозможен в явной, открытой форме. Отношение к дионисийским пляскам на Руси было очень строгое, они считались большим грехом. Петровские же реформы сделали жизнь общества более гармоничной: не надо было скрывать своего желания развлечься, более того это желание становилось во главу угла у обеспеченных людей. Наиболее распространенными танцами на петровских ассамблеях были менуэт, павана, куранта и другие. Но Петр считал их очень скучными и изобрел свой танец, гораздо более оживленный. Впоследствии, при Анне Ионовне, в моду вошли не только иноземные развлечения. Императрица любила и русские танцы («бычок» или «камаринская»).

Общественная жизнь в XIX веке, ее отражение в развитии танцевальной культуры.

По сравнению с предыдущей эпохой XIX век предоставил личности гораздо большую свободу в выборе своего жизненного пути. Освобождение произошло и на чисто духовном уровне. Идея бога в XIX веке постепенно угасает. Светская жизнь, ставшая столь популярной в предыдущую эпоху, вытесняет церковную настолько, что о Боге вспоминают лишь по воскресеньям. Идеалы общества опять поворачиваются в сторону индивидуализма. Романтическая порывистость, тяготение душевной неволей, устремление к иным, более высоким идеалам, характерные для общественного настроения в этот период, ярко проявились и в танце. Королем всех танцев становится вальс, являющийся способом раскрепощения от условностей, которые по - прежнему были основной общественной жизни.

В XIX веке происходит постепенное угасание французской танцевальной салонной школы. Так, легкие прыжки, считавшиеся обязательными в XVIII веке, постепенно сменяются простыми шагами. На балах появляется должность «танцевального дирижера» («распорядителя»), который являлся своеобразным командиром, следившим за проведением бала. Открывать бал принято было вальсом, первый тур которого предоставлялся обыкновенно наиболее почетным лицам из числа приглашенных, если хозяева вечера не предоставляли эту честь самому распорядителю.

В XIX веке в Петербурге придворные балы проводились в Зимнем и Аничковом дворцах и пользовались огромной популярностью. Начинался бал с полонеза, который сменял менуэт. Не обходился бал и без мазурки, и, конечно же, вальса. В это время появляется еще один танец, успех которого затмил популярность всех остальных, - полька. Завершался бал танцем - игрой котильоном, своего рода прощальным выступлением всех участников.

Остановимся более подробно на вальсе.

Вальс не имел ни одной черты модного салонного танца. Кроме того, до вальса не было салонного танца, где бы даму обнимали за талию, глядя ей прямо в глаза. И именно в вальсе дама и кавалер впервые становятся единой танцующей парой. Против вальса были официальные и неофициальные выступления. В Вене в первое десятилетие XIX века запрещалось танцевать вальс более десяти минут. На балах, которые давались во дворцах немецких кайзеров, вальс был под запретом на протяжении почти всего XIX века, так как считался «чувственным и непристойным танцем». Консервативное английское общество допустило вальс на четверть века позже, чем большинство других европейских стран. В России вальс также подвергался гонениям. Его невзлюбила Екатерина II, а при Павле I было опубликовано полицейское предписание, запрещавшее «употребление пляски, вальсеном именуемой». Но все это только увеличило тягу к танцу, и XIX век прошел под символом вальса, его танцевали во всех кругах общества. Вальс оказал существенное влияние на развитие всей европейской музыки XIX и XX веков.

Сороковые годы XIX века были временем бурного увлечения полькой не только в Париже, но и во всей Европе, в том числе и в России. Поскольку танцевали буквально все и повсюду, независимо от возраста и общественного положения.

Самые модные туалеты, блюда назывались «a la Polka». Английские газеты тогда даже шутили, что политика отошла на задний план, уступив место польке.
При Екатерине II в России впервые появляется мазурка, но тогда она почти не имела успеха. Только в начале XIX века этот танец приобретает в русских городах большую популярность. К тому времени мазурка получает широкое распространение и в других европейских странах, особенно в Чехии, Венгрии и Франции. В России существовало две мазурки: салонная и народная. Модные французские танцмейстеры придавали народному танцу салонный характер и необходимый лоск. В этом варианте мазурка и танцевалась в высшем петербургском свете. Мазурка постепенно вытесняла французскую кадриль и становился апогеем бала, знаменуя собой его кульминацию.

Можно сказать, что с появлением канкана начинается новая танцевальная эпоха. Канкан возникает в Париже, приблизительно в 1830 году. Это был исполняемый на сцене женский танец, сопровождаемый высоким вскидыванием ног. В 1860 годах в Петербурге открывается множество танцклассов, где танцевали преимущественно канкан.
Таким образом, подробно рассмотрев наиболее популярные танцы XIX века, и, наглядно проследив отражение общественной жизни в танцевальной культуре того времени, мы можем сделать вывод о значении танца в ту эпоху. Основной задачей танца, на наш взгляд, было поддержание культуры тела наравне с культурой духа. Но в отличие от более ранних эпох, культура тела не подразумевала под собой духовную, религиозную основу, а развитие культуры тела становилось все более и более самоцелью танцев.

Развитие танцевальной культуры России в первой половине XX века.

К XX - му веку в России насчитывалось уже около 17 танцев, среди них наибольшей популярностью пользовались такие как: полька, венгерка, миньон, фанданго, фигурный вальс, мазурка и многие другие. К XX веку многое в танцевальной культуре меняется. Меняется прежде всего качество танцевального исполнения, изменяется основа, путь, по которому пошло развитие мирового танцевального искусства. После тысячелетнего перерыва Олимпийские игры вновь становятся необычайно популярными, а отсюда происходит сближение танца и спорта, возрастает степень динамичности появляющихся танцев: танго, фокстрот, твист, рок - н - ролл.

После исчезновения балов, как формы массового времяпрепровождения в XIX веке, частично их функции начинают заменять рестораны (наверное, потому, что и на балах не только танцевали, но и ужинали). Так во второй половине XIX века рестораны совмещали в себе и кухню, и частенько театр (В России, например, рестораны: «Яр», «Стрельна», и многие другие). Французские рестораны конца XIX века были знамениты своим кабаре с его полу пристойным женским танцем, танцовщицы которого, на наш взгляд, имели немало общего с танцовщицами Древней Греции и Рима. Наличие такого развлечения, его доступность оказали огромное влияние на общественную жизнь того периода, на всю танцевальную культуру начала XX века.

Начало XX века в танцевальной культуре можно охарактеризовать словами: «в поисках стиля», так как в то время все старое разрушалось, а новое было туманно и неясно. И для определения стиля этой эпохи танец играл значительную роль, потому что в ней, по нашему мнению, с необычайной яркостью отражались эстетические устремления своего века, он был своеобразным мостом между миром обыденного и миром фантазии. Перелом в политической жизни начала XX века, повлек за собой и перелом в творческой жизни этого периода. Это не могло не отразиться и в танце. Настоящим переворотом в танцевальной жизни этого периода стало появление танца танго. Танго представлял собой бальный, салонный танец, а не танец эстрады. Для исполнения этого танца требовался безукоризненный фрак и стильное, обтянутое платье, так как этот танец по своему характеру был очень строг и не допускались какие - либо вольности. Танцор танго напоминал собой туго натянутую тетиву, со стабильной мимикой, максимальной неподвижностью тела. В этом основное отличие танго от предыдущих танцев, в которых неизменно присутствовал бег, прыжки, подпрыгивания, в общем все то, что выводило тело из его сдержанного состояния.

Танго было основано на ритмизованном ходе, что на наш взгляд, и явилось причиной столь большой популярности этого танца, так как теперь танцевать могли все, даже те, кто не мог до этого «прыгать козлом» по залу. Таким образом, мы можем сделать вывод, что танго явилось определителем стиля всей танцевальной культуры первой половины XX века.

ХХ век продолжается …

Надоевшие старые танцы, изменяющийся социальный климат, желание молодежи найти и реализовать свой, отличный от других стиль - все это привело к необычайному росту различных направлений танцевальной культуры в XX веке. Можно сказать, что в XX веке танцы впервые приобрели столь невиданный размах, превратились в массовый вид досуга. И даже самые популярные балы XIX века не могут, на наш взгляд, сравниться со столь мощной танцевальной «эпидемией», настигнувшей нас в XX веке. Рэп, хип - хоп, брейкданс, рэйв, хаус, техно, транс - это лишь небольшая часть тех направлений, которые охватили весь мир во второй половине XX столетия.

Еще Платон говорил: «Природа всех молодых существ пламенна и поэтому не в состоянии сохранять спокойствие ни в теле, ни в голове, а постоянно кричит и беспорядочно скачет». На наш взгляд, эти слова как нельзя лучше можно отнести к описанию духа танцевальной культуры конца XX века. В целом, духу этого времени присущи темпераментность и динамичность. И сейчас уже можно с уверенностью сказать, что большинство современных танцев переросли в виды спорта. Это, конечно же, связано и с духом времени, недаром спорт, олимпийские игры в XX веке получили свое второе рождение. Еще одним немаловажным фактором сближения танца и спорта для женщин явилось, по нашему мнению, изменение эталонов красоты. На смену упитанным красавицам XIX века приходят худощавые манекенщицы. Многие женщины, девушки танцуя на дискотеках, или посещая тренировки в какой - либо танцевальной студии, преследуют прежде всего цель скорректировать свою фигуру, похудеть.
Что касается молодежи, главным критерием при выборе танцев здесь явилась свобода, возможность самовыражения. Одним из танцев, который как нельзя лучше предоставил эту свободу молодежи стал хип - хоп.

Современный хип - хоп включает в себя три направления: рэп, брейкданс и граффити. Он требует особый стиль одежды и особое мировоззрение. Этот танец доступен всем и каждому, он помогает, на наш взгляд, подросткам трансформировать свою агрессию в творчество.

Еще одним танцем, помогающим снять нервное напряжение, стал рэйв. Считается, что даже индейцы после укуса скорпиона начинали пляску, похожую на современные танцы, которая длилась несколько часов - до полного изнеможения. Этот метод приносил выздоровление. Похожее мы встречаем в рэйве. Рэйв (в переводе с английского - «неистовство, суета, каша») родился в Голландии в 1985 году. Первоначально рэйв был рассчитан на тех, кто употребляет наркотики. В рэйве появилось множество разнообразных стилей музыки, танец в стиле рэйв очень быстро впитал в себя многое, что было до этого направления.

Наиболее известны такие стили, как «транс», «техно», «хаус», «Deep house»…

«Транс» - это космическая музыка с плавными движениями, и стремлением мягко выйти из собственной оболочки.
«Техно» - здесь движения жесткие, фиксированные, много импульсов на руки, ноги, все движения широкие и четко очерченные.
«Хаус» - в нем нет четких, резких движений, они более размыты; музыка - физиологическая, весь ритм рассчитан на движения тела. Этот танец дает большую импровизацию.

И конечно же, говоря о конце XX века, мы не можем не упомянуть о таком направлении в танцевальной культуре, как брейкданс. По сути брейкданс - это сплав танца, пантомимы, борьбы, бокса. Верным, на наш взгляд, является мнение о том, что брейк воспитывает не только тело, но и характер. Он требует огромной выносливости и терпеливости, так как большинство элементов брейка нуждаются в многократном повторении. Считается, что брейк родился на нью - йоркских мостовых, а его создателями стали две враждующие группировки, которым однажды надоело бороться между собой с помощью огнестрельного и холодного оружия и они предпочли соперничать в немыслимых танцевальных па. Наверно, именно поэтому первоначально брейк основывался на различных видах борьбы - каратэ, кун фу, бокс. Постепенно к ним добавлялись плавные движения рук и ног. Каждый стремясь стать лучшим добавлял все более и более сложные акробатические элементы. Можно предположить, что это выглядело приблизительно так: выстраивались две группировки, специально одетые для борьбы, но без оружия, затем включалась музыка и начинался брейк. Победителями становились более выносливые, ловкие, быстрые и гибкие. Постепенно этот танец привлек к себе внимание хореографов. Сам брейк выполняется или на полу (кувырки, различные повороты на спине), или близко к полу, а брейкданс включает еще в себя и различные волнообразные движения рук и туловища.

Таким образом, рассмотрев несколько наиболее ярких, по нашему мнению, танцевальных направлений, мы, на примере этих танцев, можем сделать вывод о своеобразии художественной культуры конца XX века. Вы конечно же заметили, что наиболее характерными чертами художественной культуры этого периода стали свобода и стремление и самовыражение, а также неординарность, поиск чего - то нового и необычного.

В целом, конец XX века представляет собой, на наш взгляд, огромный потенциал для развития художественной культуры во всех ее направлениях и в танце в частности.

.

Вт 0

Древние греки считали, что танцы были посланы людям богами и поэтому связывали их с религиозными церемониями и церемониями поклонения. Они верили, что Боги передавали дар умения танцевать только избранным смертным, которые в свою очередь учили этому остальных.

Древнейшие исторические источники можно найти на острове Крите, где с 3000 по 1400 века до н.э. процветала древнейшая Минойская цивилизация. Жители Крита развивали музыку, песню и танец как часть своей религиозной жизни, а также развлечений.

Основная особенность античного греческого танца - это то, что танцоры образуют круг или полукруг и танцуют, сохраняя его. Как правило, мужчины и женщины танцевали отдельно. Огромную роль в танцах играло музыкальное сопровождение. Известно, что античные инструменты представляли собой деревяшки, металлические цимбалы, колокольчики, ракушки, которые использовали для отбивания ритма. Минойцы пользовались струнными инструментами: кифарой и лирой.

Древние греки танцевали, образуя открытый или узкий круг, обычно вокруг дерева, алтаря или мистических предметов для того, чтобы освободиться от злых духов. Впоследствии это правило перешло в традицию танцевать вокруг певца или музыканта. На критских скульптурах изображаются танцы вокруг музыканта, играющего на лире, парные танцы и женские танцы в кругу с большим числом танцоров. Похожие скульптуры были найдены в Греции и на Кипре и датируются 2 -1 вв. до н.э.

Неизвестно как именно танцевали древние греки. Восстановить картину танца, одежду и украшения, которые носили исполнители, помогают античные вазы, рисунки на посуде. Например, на одном из таких предметов был изображен танец мужчин и женщин, держащих в руках ложки. Эти предметы и то, каким образом их держали танцоры, очень напоминает танец с ложками, которые танцуют в Малой Азии по сей день. То тут, то там в древних текстах говорится о том, что танец находился в большом почете в особенности благодаря своим воспитательным качествам. Равно как и музыка, письмо и физическое развитие, танец входил в систему образования, и многие античные авторы указывают на его пользу для развития души и тела. Например, спартанцы танцевали в основном воинственные танцы под марши и танцевали перед сражениями. В других частях Греции в богатых семьях было принято отдавать детей в частные учебные заведения, где известные преподаватели учили их танцам, музыке и поэзии.

Культовые танцы в культуре греков.

Греческие танцы в древности подразделялись на религиозные и военные, театральные и общественные.

Известно, что женщинам и мужчинам танцевать вместе запрещалось. Но юноши и девушки могли вместе участвовать, например, в цепочечных танцах.

Среди военных танцев упоминают пиррихий и прилий . Точных сведений об этих танцах, характере их движений, исполнителях, месте, где они обычно исполнялись, не сохранилось. Прилий обычно исполняли амазонки. Возможно, этот бурный и воинственный танец (обычно исполнявшийся без оружия) мы видим на расписных вазах 5-4 вв. до н.э. Наибольшую известность получил пиррихий , который исполнялся в шлеме со щитом и копьем в руках. Пиррихий исполнялся как юношами, так и девушками и включал в себя разные па, имитирующие движения воина во время сражения - резкие выпады, манипуляции с щитом и копьем. Греки очень трепетно относились к этому танцу и считали, что их военный успех зависит от быстроты и сноровки в его исполнении.

Вакхические танцы имеют несколько специфических движений, которые не встречаются в других - резкие наклоны туловища и головы назад - вперед, которые должны были вызвать головокружение и способствовать вхождению в транс.

К категории мирных танцев относят различные ритуальные пляски, посвященные древнегреческим богам: Гере, Деметре, Аполлону. Это обычно хороводы, в которых танцующие, взявшись за руки, передвигаются мелкими, скользящими шагами. Один из любопытных танцев, популярных в IV-III вв. до н.э. - танец с плащом. По мнению некоторых исследователей, танец связан с культом Деметры, с культом плодородия. Его танцевали девушки, готовившиеся к замужеству, во время ритуалов, предшествовавших брачной церемонии. Исполнительница (одна или две) делали плавные повороты и шаги вправо-влево и вперед - назад, то закутываясь в плащ, то распахивая его.

Танцами как зрелищными развлечениями заведовали мимы – скоморохи, клоуны, акробаты, жонглеры – низкого социального статуса, как правило, беглые рабы или иностранцы. Но ни один пир богатых и почтенных граждан не обходился без них – пиры античности неразрывно связаны с танцами. Театральные же танцы имели непосредственное отношение к типу театрального представления – для трагедии характерна эммелия, для комедии – кордак.

Эммелия (Emmeleia) - хороводный танец, зачастую исполнявшийся у постели умирающего. Торжественного, величественного и возвышенного характера, в медленных или размеренных темпах. В отличие от пиррических плясок она исполнялась женщинами и отличалась красотой форм и изяществом пластики. Особенно выразительными были движения рук танцовщиц - сложные по рисунку и экспрессивные по характеру, в то время как ноги и корпус его были сравнительно неподвижны. Возникнув как религиозный танец, впоследствии эммелия вошла в качестве составной части в древнегреческую трагедию.

Главным танцевальным жанром комедии был кордак (Kordax), движения которого включали разнообразные вращения, прыжки в бешеном темпе. Он, хотя и был связан с содержанием пьесы, все же не являлся простой иллюстрацией действия. Скорее всего, кордак представлял собой вставные комические сцены. Интересно, что этот танец считался недостойным серьезных мужчин.

Сценические танцы были частью театральных представлений. Каждому жанру соответствовали свои танцы. Во время танцев исполнители отбивали такт ногами. Для этого они надевали особые деревянные или железные сандалии, иногда отбивали такт руками с помощью надетых на средние пальцы своеобразных кастаньет – устричных раковин

Христианские культурные традиции .

В период становления в Греции христианства началось формирование христианской музыкальной культуры. Церковь внесла запрет на инструментальную музыку и любые танцы. Однако на стенах древних православных храмов и монастырей можно увидеть росписи, на которых изображены различные танцы, удивительно похожие на античные. Христианская и языческая культура уживалась рядом, и в народном быту сохранились танцы, которые ведут свое происхождение из глубокой древности.

Античные росписи в храмах иногда изображают танцовщиц, исполняющих бурные танцы, аккомпанируя себе ударными инструментами. Это изображения вакхических танцев.

В старинных рукописях находятся свидетельства, датированные, которые описывают событие, произошедшее в Северной Фракии в 1257 г. В маленькой церкви Св. Константина внезапно вспыхнул огонь. Наблюдая, как пламя постепенно охватывает здание, жители деревни слышали странные звуки, доносившиеся изнутри и напоминавшие крики людей. Никого в церкви не было, поэтому обитатели деревни, решили, что звуки исходят от оставшихся в церкви икон. Несколько человек, решившие спасти иконы, бросились в огонь. Они вынесли из пламени 8 икон и при этом не получили никаких ожогов. Легенда гласит, что с тех пор эти люди получили иммунитет от ожогов, который могли даже передавать своим детям.

Этот обряд пришел в Болгарию из Греции и сохранился в практически неизменном виде. Болгарский свидетель его Святослав Славчев, писал, что вечером накануне церемонии, несколько взрослых женщин заперлись в церкви, чтоб молиться там всю ночь. Вечером мужчины неспешно сгребли угли, образовав большой пылающий круг. Когда церковные двери открылись, женщины босиком пошли по углям, приближаясь к центру площадки, быстрыми короткими шагами. Никто из женщин не получил ни ран, ни ожогов. Характерно, что такие неистовые танцы распространены на территории древней Фракии, которая еще в древности отличалась обрядовыми ритуалами и церемониями, в том числе и вакхическими танцами.

В Крыму огнехождение практиковалось в общине греков, чьи предки переехали сюда на постоянное место жительства в 1830 г. из древней Фракии. Этот феномен описан этнографами со слов свидетелей и исполнителей этого обряда. Итак, греческие танцы несут в себе традиции глубокой древности, реликты архаичных культовых обрядов, но это не препятствует их популярности. Благодаря традиции, сохранившей их на протяжении многих столетий, они, хотя и в видоизмененном виде, дошли до наших дней и являются неотъемлемой частью современной культуры греческого народа.

Основные греческие танцы

Среди огромного разнообразия танцев древних эллинов одним из самых распространенных исследователи называют сиртос.

СБ 08/21/10

Сиртос

Танцуется во всей Греции. Танцоры, мужчины и женщины, танцуют в открытом кругу, соединяя руки на уровне плеча. Шаги медленные, движения простые и сдержанные. Его облегченная версия – сиртаки (в пер. с - касание) . Часто лидер, будь то мужчина или женщина, держит в руке платок и размахивает им в процессе танца. Что примечательно, за руки могли держаться только родственники или супруги. Друзья, знакомые или незнакомые люди держались за платок.

Цаконикос

Самый известный танец-лабиринт. Танцев-лабиринтов в Греции много, но отличаются они не шагами, а способом «закрутить» и «раскрутить» лабиринт.

Региональные особенности греческих танцев
08/20/10

Хотя греческие танцы во многом схожи, имеют место региональные особенности в шагах и стиле танца.

На характер и местные особенности танца влияли климатические условия. В общем, «волочащиеся» танцы танцуются в равнинных частях страны, а «припрыгивающие» характерны для горных районов. На стиль, манеру и движения танца по-разному влияет и характер людей, их социальная жизнь, костюмы, т.д. Например, холодная погода, высокие горы, неровная земная поверхность вынуждала людей носить тяжелую одежду и обувь, из-за чего люди двигались маленькими шагами и, передвигаясь, тянули стопу. На танец очень влияет обувь: тяжелая обувь, не позволяла танцорам высоко поднимать ноги, а туфли и тапочки давали такую возможность, т.к. были значительно легче и идеально подходили для сиртосов.

Общая характеристика греческих танцев Т 08 /19/10

Традиционные греческие танцы делятся на две категории: «волочащиеся» танцы и танцы «с подпрыгиванием». «Волочащимися» танцы называют так из-за манеры исполнения: танцоры двигаются вправо или влево легкими шагами, не прыгая. Они очень разнообразны благодаря множеству фигур, названий, мелодий, ритмов, шагов, а также похоже, что они самые старые. Самый известный «волочащийся» танец - Сиртос.

Танцы с подпрыгиванием произошли из горной Греции и получили свое название благодаря характеру исполнения. От танцоров требуется сила, гибкие движения, обычно танцуются мужчинами, хотя в них участвуют и женщины. Большинство греческих танцев несложные: шаги в сторону, прыжки, болтание ногами. Лидер круга украшает танец другими шагами, прыжками, то ускоряя, то замедляя танец.

Одно из главных правил «этических» правил в танце - уважение по отношению к лидеру круга либо линии. Как правило, фигуры, которые делает лидер, сложнее и разнообразнее тех, что танцуют остальные, и он, как наиболее искусный и уверенный в себе танцор, имеет право выделиться таким образом.

В кругу или линии существует своя иерархия. Например, раньше лидером не могла быть женщина, эта привилегия до недавнего времени оставалась только мужской. Также в некоторых танцах можно увидеть, что женщины танцевали либо отдельно, образуя свои круги внутри мужского круга, либо возле него. В других танцах мужчины и женщины танцуют вместе, но сначала идет цепочка мужчин и за ними цепочка женщин. Сейчас, танцуя, мужчины и женщины чередуются через один.

Заключение.

Веками классическая культура Древней Греции занимала воображение людей. Она стала колыбелью европейской культуры и оказала огромное влияние на развитие европейской цивилизации.

Достижения греческого искусства частично легли в основу эстетических представлений последующих эпох. Спустя почти двенадцать столетий они станут идеалом красоты и гармонии, к которому будут стремиться, возрождая античные традиции.

Термин "античность" происходит от латинского слова antiquus - древний. Им принято называть особый период развития древней Греции и Рима, а также тех земель и народов, которые находились под их культурным влиянием. Хронологические рамки этого периода, как и любого другого культурно-исторического явления, не могут быть точно определены, однако совпадают со временем существования самих античных государств: с XI-IX вв. до н.э., времени становления античного общества в Греции и до V н.э. - гибели римской империи под ударами варваров.

Хореография, как уникальный и синтетический вид искусства

Вступление

Средневековые танцы - отражение мрачного периода средневековья. Придворные танцы их историческое значение.

Народные и придворные танцы эпохи Возрождения. Возникновение Балета и его влияние на общественно-политическую жизнь. Художественное оформление балетов эпохи Медичи

5. Танцевальное искусство 17-18 веков. Людовик XIV и балет. Появление балетной музыки и сюжетных балетов. Придворные танцы на ассамблеях при Петре 1. Танцовщики-реформаторы Мария Камарго и Огюст Вестрис. Ж.Ж.Новер и его реформы.

Эпоха романтических балетов 19 века и ее представители. Балеты Артура Сен-Леона, и их историческое значение. Мариус Петипа и Петр Ильич Чайковский - создатели шедевров классического балета. Новые тенденции танцевального искусства конца 19 века

Развитие танцевального искусства от начала 20 века до наших дней.

Вывод

Вступление

Хореография и танец имеют свою многовековую историю, описанную историками и театроведами на основании воспоминаний очевидцев и современников, изображений художников и многочисленных легенд о танце и танцевальном искусстве. Танцевальное искусство является уникальным, так как оно отражало и отражает жизнь, нравы и обычаи людей через таинственный язык пластики и жестов. Уникальность хореографии заключается также и в том, что она объединяет в себе искусство танца, театра, музыки и изобразительного искусства, если мы говорим о танцевальном спектакле.

Предмет и объект исследования. Хореография как уникальный и синтетический вид искусства, тесно взаимодействующий с музыкой и изобразительным искусством.

Цель исследования. Определить уникальность и значение танцевального искусства на каждом этапе исторического развития, а также проанализировать взаимосвязь хореографии с другими видами искусства.

Актуальность исследования. Искусство хореографии вызывает интерес и сейчас, в наше время. Поэтому вопрос уникальности хореографии, ее значение в жизни людей и в истории, взаимосвязь с другими видами искусства не могут быть не актуальными.

Мое исследование раскрывает суть и значение танца, на протяжении огромного промежутка времени - от древнегреческого периода и до наших дней. Танец сопровождал пышные торжества и праздники Древней Греции и Рима, средневековые балы и рыцарские турниры, роскошные театрализованные представления времен правления французских королей, и, наконец, превращается в отдельный и особенный вид искусства - искусство хореографии.

Также во время исследования можно заметить, как важные исторические события влияли на танцевальное искусство, а танцевальное искусство влияло на моду, культуру, обычаи и даже политическую жизнь определенного периода в истории. Особенно это было заметно во времена правления Екатерины Медичи и короля Людовика 14.

Зарождение и значение танца в истории. Танцевальное искусство, как важный компонент театра Древней Греции и жизни древних греков

Корни танцевального искусства уходят в далекое прошлое и берут свое начало с эпохи первобытнообщинных времен, когда танец и жесты играли значительную роль в жизни древнего человека, как способы коммуникативного общения до появления и развития звуковой речи.

Позже танец приобрел обрядовое значение - люди обращались к танцам во время свадебных и религиозных обрядов, военных ритуалов, обрядов смены времен года, рождения детей или похорон. Танцы объединяли народ, являлись не только способом общения друг с другом и развлечением, но и средством выражения душевного состояния, мыслей и эмоций. Под влиянием смены исторических событий, в связи с приходом новых духовных и культурных ценностей и новой эстетики, постепенно значение танца и его основные функции видоизменяются.

Начнем наш экскурс в историю с изучения танца в Древней Греции. В чем же была уникальность танцевального искусства Древней Греции? И какое значение играл танец в жизни греков?

Известно, что Древние Греки оставили свой ощутимый след в истории мирового искусства и культуры. Мы знаем имена великих древнегреческих драматургов - Эсхила, Софокла, Еврипида, Аристофана. Мы восхищаемся величественными арками и колонами, кариатидами, статуями богов и героев античной Греции. Именно тогда, в те далекие времена, особое внимание уделяется красоте и эстетике человеческого тела, движений и поз, и, конечно, танцу.

Танцы в Древней Греции разделялись на ритуальные (священные, обрядовые), общественно-бытовые, сценические и военные. Так, сценические древнегреческие танцы были частью театрализованных выступлений. Искусству же военного танца обязаны были обучаться все греческие юноши.

В Греции танцевали все, независимо от возраста и социального положения и любили праздники и развлечения, которые часто сопровождались театрализованными представлениями, песнями, танцами и игрой на музыкальных инструментах.

Праздник в честь бога Диониса или Великие Дионисии отмечали несколько раз в году в Афинах. Праздник длился несколько дней: украшали храм Диониса, устраивали большие шествия-процессии, пели песни -дифирамбы, устраивали театральные состязания авторов драмы, трагедии и комедии. Авторы-поэты были также режиссерами, балетмейстерами и даже, не редко, актерами своих произведений.

Танец в святилище Диониса. Аттическая ваза V в. до н.э.

"Юноши тут и цветущие девы, желанные многим,
Пляшут, в хор круговидный любезно сплетяся руками.
Девы в одежды льняные и легкие, отроки в ризы
Светло одеты, и их чистотой, как елеем, сияют;
Тех - венки из цветов прелестные всех украшают;
Сих - золотые ножи, на ремнях чрез плечо серебристых.
Пляшут они, и ногами искусными то закружатся,
Столь же легко, как в стану колесо под рукою испытной,
Если скудельник его испытует, легко ли кружится;
То разовьются и пляшут рядами, одни за другими.

(Гомер "Илиада", перевод Н.И.Гнедича)

К театральным танцам древней Греции относятся эммелия, кордак и сиккинида. Танец в составе трагедии (эммелия ) был достаточно медленным и величественным, а жесты в нем (хирономия ) - широкими, крупными. Кордак представлял собой вставные комические сцены, своего рода хореографические буффонады. Этот танец был достаточно непристойным, исполнялся в бурном темпе, с присядками, прыжками и «пятками в небе». Хор в комедии Аристофана "Осы" сопровождает этот буйный, разнузданный танец такими словами:

Кружись быстрей и быстрей!

Фринихова пляска!

Закиньте повыше ступню!

Пусть зрители ахнут: "ай, ай!",

Видя пятки в небе.

Кружись, кувыркайся и бей себя по брюху!

Выбрасывай ноги вперед, вертись волчком...

Кордак. Роспись вазы, V в. до н. э.

Много общего имел с ним танец сатирической драмы - сиккинида (Sikinnis), ориентирующаяся на вкусы простых людей и зачастую представляющая собой пародию на многие стороны общественной жизни.

Танец двух сатиров. Роспись вазы, первая половина V в. до н. э.

Сложные танцы, с акробатическими элементами и трюками, исполняли профессиональные танцоры, акробаты, жонглеры. Сопровождались они игрой на музыкальных инструментах. Лукиан в своем трактате описывал: «А на Делосе даже обычные жертвоприношения не обходились без пляски, но сопровождались ею и совершались под музыку. Собранные в хоровод отроки под звуки флейты и кифары мерно выступали по кругу, а самую пляску исполняли избранные из их числа лучшие плясуны. Поэтому и песни, написанные для этих хороводов, носили название "плясовых припевов", и вся лирическая поэзия полна ими».

Раз в четыре года отмечался и праздник в честь богини Афины - покровительницы города Афин - Большие Панафинеи. Праздник представлял собой факельное шествие к статуе Афины, подношение многочисленных и богатых даров любимой богине: одежды, произведений искусства, жертвенных животных, цветов, а также сопровождался военными танцами. К самым ярким военным танцам принадлежит Пирриха.

Пирриха, танец воинов

По одной из легенд, первой исполнительницей пиррического танца была Афина Паллада. Она танцевала его в честь победы над титанами. Другая легенда утверждает, что он изобретен царем Пирром. Большинство же исследователей склонны думать, что название произошло от слова «пира» - «костер», вокруг которого танцевал Ахилл при похоронах Патрокла. Для пиррического танца танцовщики надевали на себя костюмы воинов. В руках у них были лук, щит, стрелы или другое оружие. Они скакали вперед, перепрыгивая с одной ноги на другую; затем производились разные военные движения и комбинации - прямыми шеренгами нападали друг на друга, смыкались в общий круг, прыгали группами, становились на колени и пр.

Греческая свадьба также сопровождалась танцами, песнями и определенными ритуалами. Вот как у Гомера описан свадебный процесс: «Там невест из чертогов, светильников ярких при блеске, Брачных песен при кликах, по стогнам градским провожают. Юноши хорами в плясках кружатся, меж них раздаются лир и свирелей веселые звуки; почтенные жены смотрят на них и дивуются, стоя на крыльцах воротных. Мать невесты зажигала от своего очага факел и шла за повозкой вместе с родственниками и гостями. Одни несли факелы для освещения дороги, другие - подарки, а также особого вида треножник, лутрофор и кальпиды для свадебных ритуалов, многие пели свадебные песни и танцевали под аккомпанемент аулосов и лир, возгласы, обращенные к Гименею, звучали на всем пути к дому жениха».

Танец в древней Греции был сложным, виртуозным, и безусловно эстетически развитым. Об этом свидетельствуют древнегреческие фрески и рисунки, на которых изображены ярко выраженные движения и позы, подчеркивается красота линий человеческого тела и «выворотность» ног.

Роспись арибалла, Танцоры-прыгуны,конец VI в. до н. э.

Танцовщицы и акробатки. Работа мастера круга Полигнота, ок. 430 г. до н. э.

О высоком уровне развития древнегреческого танца свидетельствуют и рассуждения философов о танце. И это было неудивительно, ведь танец в Древней Греции был частью философских наук - его изучали в гимназиях, наряду с музыкой, философией и другими предметами. О связи танца и философии, написаны многочисленные трактаты древнегреческих философов - Платона, Плутарха, Ксенофонта, Лукиана и др. Философы не только интересовались искусством танца, но и любили танцевать сами.Ксенофонт писал: «Даже мудрый Сократ любил танец Мемфиды, и часто, когда его видели танцующим знакомые, он им говорил, что танец является упражнением для каждой части тела».

Красоту древнегреческого танца, его значение, историю развития и взаимосвязь с музыкой, описывает Лукиан в своем трактате: «Скажу о том, что пляска не только услаждает, но также приносит пользу зрителям, хорошо их воспитывает, многому научает. Пляска вносит лад и меру в душу смотрящего, изощряя взоры красивейшими зрелищами, увлекая слух прекраснейшими звуками и являя прекрасное единство душевной и телесной красоты. А если в союзе с музыкой и ритмом пляска всего этого достигает, то за это она заслуживает не порицания, а скорее хвалы…Пляска - это занятие не новое, не со вчерашнего и не с третьего дня начавшееся… Например, от времени наших пращуров или от их родителей, - нет: люди, сообщающие наидостовернейшие сведения о родословной пляски, смогут сказать тебе, что одновременно с происхождением первых начал вселенной возникла и пляска, появившаяся на свет вместе с ним, древним Эросом. А именно: хоровод звезд, сплетенье блуждающих светил с неподвижными, их стройное содружество и мерный лад движений суть проявленья первородной пляски. После, мало-помалу, развиваясь непрерывно и совершенствуясь, пляска теперь, как кажется, достигла последних вершин и стала разнообразным и всегармоничным благом, сочетающим в себе дары многих Муз… Но, поскольку искусство танцора - подражательно, поскольку он обязуется движениями изобразить содержание песни, - танцор должен подобно ораторам упражняться, добиваясь наибольшей ясности, чтобы все, им изображаемое, было понятным, не требуя никакого толкователя».

В общем, танец и танцевальное искусство Древней Греции играли немаловажную роль в жизни греков. Наполняя и обогащая жизнь в духовном и эстетическом смысле, танец становится неотъемлемой частью религиозных праздников и обрядов, свадебных церемоний и военных ритуалов, а также частью культуры и искусства Древней Греции. Красоту и эстетику древнегреческих движений, поз и жестов подтверждают многочисленные рисунки Античной Греции, впечатления современников и трактаты философов-мыслителей. Танцевальное искусство Древней Греции, как и другие виды искусства, бесспорно, повлияло на развитие мировой культуры и искусства, театра и балета. К античным танцам и античной культуре обращаются многие режиссеры, танцовщики и балетмейстеры. Великая американская танцовщица Айседора Дункан заимствует древнегреческие позы и жесты для своих импровизаций, а также использует древнегреческую тунику как основной вид костюма для своих выступлений. К сюжету древнегреческой легенды о Ясоне и Медее обращаются хореографы Ж.Ж.Новер, М.Грехем, Г.Алексидзе, Ю.Посохов и др.

За первобытными танцами следуют танцы античности. Во времена архаики танец являлся частью хоровой лирики, основным атрибутом различных культов (культов Деметры, Диониса, Аполлона). В классический период Древней Греции место танца - древнегреческая трагедия, где он является: средством усиления напряженности драматического действия (Эсхил);), выражением эмоциональной реакции на разворачивающиеся события (Софокл);), рассматривается как пантомимика, изображающая чувства и сопровождающая выступления хора (Еврипид). Танец приобретает новую функцию - сопровождение речи. В комедиях танец становится самостоятельным средством выражения разнообразных чувств, в том числе эротических и откровенно сексуальных.

Известно, что в Греции муза танца и хорового пения Терпсихора была включена в пантеон божеств. Греки понимали танец очень широко, рассматривая его и как гимнастику, средство оздоровления тела, и как мимическое искусство. К танцам относили шествие драматурга Софокла во главе процессии обнаженных юношей по Афинам после победы при Саламине, жонглирование и акробатику, военную муштру, погребальные и свадебные процессии и размеренные, строго одновременные жесты и движения хора в трагедии.

Крупнейший писатель-сатирик и мыслитель поздней античности Лукиан в своих работах отводит ей танцу отдельную главу «“О пляске”», в которой он описывает различные достоинства этого вида искусства.

Глава книги написана в форме диалога двух друзей: Ликина и Кратона. Кратон считает пляску «“смехотворным развлечением”,» . Ликин же хочет доказать своему другу, что пляска - это “«…занятие, по происхождению своему божественное и к таинствам причастное, множеству богов любезное, в их честь творимое и доставляющее одновременно великую радость и полезную назидательность»”.

По Лукиану пляска - это сложное искусство, которое «“требует подъема на высочайшие ступени всех наук”»: музыки, ритмики, геометрии и философии, «“как естественной, так и нравственной”», риторики, «“поскольку она стремится к той же цели, что и ораторы: показать людские нравы и страсти”», живописи и ваяния.

Лукиан рассматривает пляску с точки зрения физической подготовки, как благотворно влияющей влияющую на здоровье танцора: «“нНапряженные движения танцора … для него самого оказываются чрезвычайно здоровым занятием: я, по крайней мере, склонен считать пляску прекраснейшим из упражнений и притом превосходно ритмизованным. Сообщая телу мягкость, гибкость, легкость, проворство и разнообразие движений, пляска в то же время дает ему и не малую силу”».

С другой стороны аАвтор сравнивает пляску и с лекарством для зрителя: «“пПляска обладает такими чарами, что человек, пришедший в театр влюбленным, выходит образумившимся, увидев, как часто любовь кончается бедой. Одержимый печалью возвращается из театра, смотря светлее, будто он выпил какое-то дающее забвенье лекарство, “боли врачующее и желчь унимающее”».

«“Главная задача плясуна в том и состоит, чтобы овладеть своеобразной наукой подражания, изображения, выражения мыслей, умения сделать ясным даже сокровенное”». Здесь можно вспомнить слова, принадлежащие чужестранцу: «“Увидавши пять масок, приготовленных для танцора, - из стольких частей состояло представление, - и, видя только одного актера, чужестранец стал расспрашивать: кто же будет плясать и играть остальных действующих лиц? Когда же узнал, что один и тот же танцор будет играть и плясать всех, он сказал: “Я и не знал, приятель, что, имея одно это тело, ты обладаешь множеством душ”».

Потребность в танце обусловлена самой природой человека, его внутренними ритмами, но греки стремились также к идеальной красоте, которая достигалась путем стилизации. Кроме этого существуют танцы воинственные - ритуальные и образовательные; , танцы культовые; , оргиастические; , танцы общественных празднеств; , танцы в быту (при рождении, свадебные, погребальные, народные).

Примером может служить военный танец (пирриха), описанный у Гомера и известный по сохранившимся рельефам и вазовой живописи. Другой пример, тоже из Гомера - погребальный танец, цель которого всплеском физической активности танцующих вдохнуть новую жизнь в мертвое тело. Этот танец пришел с острова Крит, для него характерны резкие движения рук и ритмические удары мечей о щиты для отпугивания злых духов.

Поскольку греки верили, что танец подарен людям богами, они проявляли большой интерес к эзотерическим культам, в которых существенную роль играл танец. Кроме оргиастических танцев, связанных с определенными ритуалами, древние греки любили торжественные процессии, особенно пеаны, которые являли собой род ритмически организованного шествия в честь того или иного божества с пением торжественных гимнов. Большим празднеством были Фесмофории - действа в честь богини земледелия Деметры и ее дочери Персефоны. Важную роль играли танцы в орфических и элевсинских мистериях.

Оргиастические танцы в честь бога плодородия Диониса постепенно сложились в определенную церемонию - дионисии. Для них специально обучались танцовщицы, изображавшие менад, и танцоры, изображавшие сатиров; в соответствии с мифом это была свита Диониса. Общий танец - дифирамб, исполнявшийся в дионисийских празднествах, стал источником древнегреческой трагедии.

У танца, рВ развивавшегосятии танца в рамках древнегреческой трагедии выделяется, наблюдается несколько периодов, соответствующих разным этапам развития самой драматургии. Для Эсхила танец - средство усиления напряженности драматического действия. Софокл трактует танец как выражение эмоциональной реакции на разворачивающиеся события. У Еврипида хор пантомимически изображает чувства, соответствующие сюжету. Танец в составе трагедии (эммелия) был достаточно медленным и величественным, а жесты в нем (хирономия) - широкими, крупными, легко воспринимавшимися публикой на больших аренах, где ставились трагедии. Танец в старой комедии назывался кордаком и был, в соответствии с духом представления, разнузданным и неприличным. Танцор вертел животом, ударял себя по пяткам и ягодицам, прыгал, бил себя в грудь и по бедрам, топал ногами и даже колотил партнера. Сикиннис - пляска сатиров, насыщенная акробатическими элементами, превзошла кордак в откровенном бесстыдстве. С распространением христианства оба танца исчезли.

Любимым развлечением древних греков были трапезы в дружеском кругу - симпозиумы. В них принимали участие профессиональные танцоры. Росписи на греческих вазах изображают куртизанок (гетер), танцующих под звуки флейты, в то время как зрители наблюдают за танцем и даже присоединяются к нему.

Римляне внесли в историю мирового танца большой вклад как создатели пантомимы. Пантомима – Ээто - сильночрезвычайно стилизованная последовательность движений, как правило, одного исполнителя, причем основная роль отводилась жестикуляции. Пантомиме обычно аккомпанировал маленький оркестр. Знаменитыми пантомимистами были Бафилл из Александрии, предпочитавший комедию, и Пилад с Сицилии, который придал пантомиме трагический пафос. Пантомима как спектакль была впервые исполнена публично в 23 г. до н. э. Со временем это искусство выродилось в откровенно эротичное и вульгарное зрелище, с которым боролась христианская церковь.

Хотя в Древнем Риме и преобладала пантомима, ритуальный танец там тоже не был забыт. Существовало много танцев-шествий на разные случаи. Например, члены жреческой коллегии салиев, жрецов бога Марса, исполняли свою культовую воинскую пляску - трипудий, т. е.то есть танец в трехдольном размере. Повсюду на полуострове Италия жрецы проводили ритуалы, связанные с древними культами плодородия. Такого рода храмовые обряды постепенно перерастали в народные праздники. Например, знаменитые сатурналии, проводившиеся в конце декабря, стали народным карнавалом, с танцами на улицах и взаимным одариванием. Впоследствии дух христианских рождественских праздников впитал в себя немало элементов древнеримских сатурналий.

Ни в одну историческую эпоху, ни в одной стране мира никто так не превозносил танец, как древние греки, которые видели в нем «единство душевной и телесной красоты» и считали танец прекрасным даром богов. Да и древнегреческие божества сами с удовольствием предавались пляскам. Считалось, что сам Аполлон, бог Искусства, написал первые правила искусства танца. Древние греки так трепетно относились к танцу, что сделали музу Терпсихору «ответственной» за искусство пляски и стали ее изображать в виде танцующей девушки в легкой тунике с оливой в руках. Гомер утверждал, что в мире есть три самых невинных наслаждения - это сон, любовь и пляска . Платон: «Пляски развивают силу, гибкость и красоту» . Пляски были обязательным учебным предметом в гимназиях, а свободный гражданин, не умевший танцевать, подвергался насмешкам и осуждению. Позы и движения в танце должны быть красивы и гармоничны, кроме того, пляска должна понятно выражать настроение, мысли и чувства.

Священные пляски исполнялись под звуки лиры, отличались строгой красотой. Праздники и танцы посвящались разным богам: Дионису, богине Афродите, Афине. Они отражали определённые дни трудового календарного года. Неудержимым буйным весельем отличались пляски в честь греческого бога плодородия и виноделия Диониса. Дионисии отмечали весной, когда оживала природа.

Об искусстве древнегреческой пляски впервые в истории танца был написан трактат - исследование об этом виде творчества. Автор трактата - Лукиан - размышлял о роли и значении танца в жизни человека, говорил о требованиях, которые предъявляются к человеку, решившему посвятить себя искусству пляски. «Искусство пляски требует подъема на высочайшие ступени всех наук: ни одной только музыки, но и ритмики, геометрии и особенно философии, как естественной, так и нравственной... Танцору необходимо знать все!» .

Большую роль в воспитании мужества, патриотизма, чувства долга у юношества в Древней Греции играли военные пляски. Обычно их исполняли двое, но существовали такие массовые пиррихи, в которых танцевали одни юноши, а иногда вместе с ними плясали и партнёрши. Эти пляски воспроизводили бой, различные боевые построения. Это были сложные хореографические композиции. В руках у танцующих были луки, стрелы, щиты, мечи, копья, дротики, зажжённые факелы.

Сценические танцы были частью театральных представлений. Каждому жанру соответствовали свои танцы. Во время танцев исполнители отбивали такт ногами. Для этого они надевали особые деревянные или железные сандалии, иногда отбивали такт руками с помощью надетых на средние пальцы своеобразных кастаньет - устричных раковин.

Для каждого жанра греческого театра существовали свои пляски. В трагедиях хор исполнял эммелею - танец, состоящий из патетичных, величественных, благородных движений. Этот танец передавал чувства богов и героев. В комедиях чаще всего танцевали кордак, пляску сатиров (сатиры - фантастические существа с козлиными ногами и рожками). Это была быстрая пляска, темпераментная, изобилующая головокружительными, прямо - таки цирковыми прыжками, кувырканьями и раскованными позами. Движения исполнялись в бурном темпе и состояли из присядок, вращений, прыжков, во время которых пятками надо было бить себя по ягодицам. Его исполняли только профессиональные, специально обученные танцовщики.

Об отношении к танцу в Древней Греции говорит тот факт, что муза танца и хорового пения Терпсихора была включена в пантеон божеств. Греки понимали танец очень широко, рассматривая его и как гимнастику, средство оздоровления тела, и как мимическое искусство. К танцам относили шествие драматурга Софокла во главе процессии обнаженных юношей по Афинам после победы при Саламине, жонглирование и акробатику, военную муштру, погребальные и свадебные процессии и размеренные, строго одновременные жесты и движения хора в трагедии.

Потребность в танце обусловлена самой природой человека, его внутренними ритмами, но греки стремились также к идеальной красоте, которая достигалась путем стилизации. Примером может служить военный танец (пирриха), описанный у Гомера и известный по сохранившимся рельефам и вазовой живописи. Другой пример, тоже из Гомера - погребальный танец, цель которого всплеском физической активности танцующих вдохнуть новую жизнь в мертвое тело. Этот танец пришел с острова Крит, для него характерны резкие движения рук и ритмические удары мечей о щиты для отпугивания злых духов.

Поскольку греки верили, что танец подарен людям богами, они проявляли большой интерес к эзотерическим культам, в которых существенную роль играл танец. Кроме оргиастических танцев, связанных с определенными ритуалами, древние греки любили торжественные процессии, особенно пеаны, которые являли собой род ритмически организованного шествия в честь того или иного божества с пением торжественных гимнов. Большим празднеством были Фесмофории - в честь богини земледелия Деметры и ее дочери Персефоны. Важную роль играли танцы в орфических и элевсинских мистериях.

Оргиастические танцы в честь бога плодородия Диониса постепенно сложились в определенную церемонию - дионисии. Для них специально обучались танцовщицы, изображавшие менад, и танцоры, изображавшие сатиров; в соответствии с мифом это была свита Диониса. Общий танец - дифирамб, исполнявшийся в дионисийских празднествах, стал источником древнегреческой трагедии.

У танца, развивавшегося в рамках древнегреческой трагедии, наблюдается несколько периодов, соответствующих разным этапам развития самой драматургии. Для Эсхила танец - средство усиления напряженности драматического действия. Софокл трактует танец как выражение эмоциональной реакции на разворачивающиеся события. У Еврипида хор пантомимой изображает чувства, соответствующие сюжету. Танец в составе трагедии (эммелия) был достаточно медленным и величественным, а жесты в нем (хирономия) - широкими, крупными, легко воспринимавшимися публикой на больших аренах, где ставились трагедии. Танец в старой комедии назывался кордаком и был, в соответствии с духом представления, разнузданным и неприличным. Танцор вертел животом, ударял себя по пяткам и ягодицам, прыгал, бил себя в грудь и по бедрам, топал ногами и даже колотил партнера. Сикиннис - пляска сатиров, насыщенная акробатическими элементами, превзошла кордак в откровенном бесстыдстве. С распространением христианства оба танца исчезли.

Любимым развлечением древних греков были трапезы в дружеском кругу - симпозиумы. В них принимали участие профессиональные танцоры. Росписи греческих ваз изображают куртизанок (гетер), танцующих под звуки флейты, в то время как зрители наблюдают за танцем и даже присоединяются к нему.

Когда в Риме начались беспорядки, и император испугался, что может произойти восстание, он велел выйти на улицы города трем тысячам танцовщиков и танцовщиц, которые своими плясками усмирили буйство толпы. Танцевальное искусство древних греков оказало большое влияние на римлян. Только вот творческие вкусы римлян в корне отличались от вкусов греков. Для греков искусство и танец были чем-то священным, что облагораживало душу и приближало человека к богам. Римляне же, более грубые и приземистые, видели в искусстве лишь развлечение. Танцы постепенно утратили первоначальную строгость и чистоту, в них стали все чаще изображать и выражать страсть, что совсем не соответствовало высокому религиозному предназначению пляски в Древней Греции. Впрочем, древние римляне знали и чтили имя своего первого танцора. Еще бы: ведь им считался Ромул - один из легендарных основателей Рима.

Римляне внесли в историю мирового танца большой вклад как создатели пантомимы. Это - сильно стилизованная последовательность движений, как правило, одного исполнителя, причем основная роль отводилась жестикуляции. Пантомиме обычно аккомпанировал маленький оркестр. Знаменитыми пантомимистами были Бафилл из Александрии, предпочитавший комедию, и Пилад с Сицилии, который придал пантомиме трагический пафос. Пантомима как спектакль была впервые исполнена публично в XXIII в. до н.э. Со временем это искусство выродилось в откровенно эротичное и вульгарное зрелище, с которым боролась христианская церковь.

Хотя в Древнем Риме и преобладала пантомима, ритуальный танец там тоже не был забыт. Существовало много танцев - шествий на разные случаи. Например, члены жреческой коллегии салиев, жрецов бога Марса, исполняли свою культовую воинскую пляску - трипудий, т.е. танец в трехдольном размере. Повсюду на полуострове Италия жрецы проводили ритуалы, связанные с древними культами плодородия. Такого рода храмовые обряды постепенно перерастали в народные праздники. Например, знаменитые сатурналии, проводившиеся в конце декабря, стали народным карнавалом, с танцами на улицах и взаимным одариванием. Впоследствии дух христианских рождественских праздников впитал в себя немало элементов древнеримских сатурналий.

Итак, в первом параграфе нашей работы мы рассмотрели танцы античности. Для греков танец был единством души и тела, танец был подарен им богами. Пляски были обязательным учебным предметом в гимназиях, а свободный гражданин, не умевший танцевать, подвергался насмешкам и осуждению. Позы и движения в танце должны быть красивы и гармоничны, кроме того, пляска должна понятно выражать настроение, мысли и чувства. Римляне же считали танец лишь развлечением, в них стали все чаще изображать и выражать страсть. Но греки в свою очередь внесли в античный танец пантомиму, которая помогла стилизовать последовательность движений. Со временем искусство пантомимы выродилось в откровенно эротичное и вульгарное зрелище, с которым боролась христианская церковь.